El estreno de documentales sobre nombres ilustres tiene un doble efecto. Por un lado, funcionan como homenaje y reconocimiento a la trayectoria, a la conjunción fortuita de circunstancias que hicieron de un nombre una marca.
Por otro, ese brillo produce una sombría reflexión sobre el presente, sobre la carencia de figuras semejantes en el panorama actual. El documental La música de John Williams (Disney+) no escapa a esa lógica y deja varias preguntas por responder.
En un formato bastante clásico, este documental recupera las voces de quienes ceden gran parte del crédito de sus mejores obras a las bandas de sonido de John Williams, como Steven Spielberg, George Lucas y J.J. Abrams. Los testimonios de estos directores se alternan con la opinión de musicólogos y de referentes de la música académica, como Gustavo Dudamel y Yo-Yo Ma.
La vida de Williams no es muy diferente a la de cualquiera que hace de la disciplina la mejor herramienta para pulir el talento. Su infancia y su adolescencia fueron bastante convencionales, formó una familia, y luego de enviudar se volvió a casar. Nada extravagante.
Los picos de extravagancia de Williams se presentan en el plano de la música. Las obras que escribió para películas no resultan exóticas, pero sí sobresalen a los oídos de cualquier espectador distraído por su capacidad narrativa. Los filmes con historias bien contadas reúnen las palabras del guion con el ojo del director y el sonido del compositor.
El sonido de la música
El recorrido que realiza el documental interpela a un espectador nostálgico y da cuenta de ese anzuelo emocional al mostrar los conciertos en los que se citan musicalmente películas que tienen casi 50 años.
Sobre todo, el documental registra una forma de cine que ya no existe. Si todos reconocemos la fuerza de una buena banda de sonido, ¿por qué la inmensa mayoría de las películas que se estrenaron últimamente no pueden ser asociadas a una melodía, como sucede con Indiana Jones o E.T? Más allá de que talentos como Williams no son frecuentes, no creo que el problema se deba a una escasez de buenos compositores. Creo, con pesar, que a nadie le importa.
Las películas que se estrenan en cines y llevan miles de espectadores tienen fórmulas musicales bastante aceitadas. Utilizan canciones pop o disco reconocidas como clásicos (otra vez la nostalgia) y subrayan con algunas melodías intrascendentes lo que se ve en pantalla. Es decir, no añaden a la película un tono, ni una capa de complejidad, ni una mirada diferente.
En las películas pensadas por y para plataformas, la situación es aún más grave. Salvo excepciones excepcionalísimas, son productos pensados para el consumo veloz y distraído; son películas para “ver” mientras se mira el celular, se cocina o se ordena la casa.
Es algo así como un “cine de fondo”, cuyos ingredientes son funcionales a lo pasajero. El tema principal de La lista de Schindler no es un buen acompañamiento para sacarse una selfie, y la apertura de Star Wars es una trompada sonora que puedo hacernos quemar la comida.
Imágenes ligeras
Es bastante conocida la anécdota de la película Tiburón que Spielberg cuenta en el documental. El muñeco que “actuaba” de tiburón se veía fatal en pantalla y resultaba imposible utilizarlo. El tiempo apremiaba. Hasta que apareció Williams y solamente con dos notas hizo aparecer un tiburón incluso sin estar en la pantalla: creó un personaje donde no había nada.
Nuestra forma de acercarnos al cine, fagocitada por la lógica del consumo, impide que el concepto visual se encuentre con el concepto musical para crear algo único. Actualmente uno parece repetición del otro, incluso reforzando en ocasiones esa redundancia con un guion obvio y sobreexplicado.
Estamos a tiempo de cambiar. Las plataformas on demand responden muy bien a su esencia y todo indicaría que, si dejamos de consumir películas como comida chatarra, nos dejarán de dar películas chatarra.
